: Echine du Diable (L’) :: FilmDeCulte (2024)

La guerre d'Espagne fait rage. Le jeune Carlos est amené par les compagnons d'armes de son père mort au combat à l'orphelinat Santa Lucia. Celui-ci, dirigé par l'élégante Carmen et par le professeur Casarès, accueille les orphelins des militants anti-franquistes. Carlos se rend rapidement compte qu'il s'y produit des phénomènes bizarres, la nuit apparaîtrait même un fantôme qui hanterait les sous-sols...

Faisant suite à une première expérience hollywoodienne pour le moins frustrante, Guillermo del Toro s’est tourné vers l’Espagne (et notamment Pedro Almodóvar, producteur du film) pour son troisième long métrage, un retour vers le film d’horreur poétique. S’inscrivant dans la veine de son premier essai, le séminal Cronos, ce nouvel opus s’impose néanmoins comme un nouveau départ pour un auteur qui parvient enfin pour la première fois à traduire de manière cohérente et aboutie les différents motifs qui composent son cinéma. Pour ce faire, Del Toro adopte comme genre général le film de fantôme bien que son œuvre témoigne de codes divers, en particulier un background de films de guerre. Après avoir traité du thème de l’immortalité dans Cronos, le cinéaste s’intéresse cette fois à la figure du spectre mais en l’étendant non seulement au revenant placé au cœur du récit, mais également aux autres protagonistes ainsi qu’au conflit en soi. C’est en adoptant un orphelinat à l’écart du monde, sous la menace de la Guerre Civile, que le réalisateur choisit de peindre le tableau d’une Espagne figée dans le temps, au même titre que cette bombe qui s’est écrasée dans la cour de l’école sans jamais exploser. Constante Epée de Damoclès, le missile symbolise une guerre qui ne s’est jamais réellement terminée pour le pays tout en présentant l’empreinte de l’auteur, fasciné par les éléments arrêtés dans le temps que Del Toro traduit à l’écran par un bijou d’horreur atmosphérique, évitant les effets de surprise faciles.

L’Echine du Diable évoque la notion de spectre de différents points de vue, notamment comme quelque chose d’incomplet. Ainsi tous les personnages ont perdu quelque chose ou sont hantés (son enfance pour Jacinto, l’amour de Casares, sa propre mort pour Santi) et l’histoire présente deux principaux esprits hantant les vivants: le fantôme métaphorique qu’est la guerre elle-même, qui détruit passé et futur, et le fantôme littéral qu’est Santi, esprit revanchard. L’enfant non-mort s’impose comme l’une des figures récurrentes du cinéma de Guillermo del Toro. Ses films présentent souvent un monstre coincé entre la vie et la mort (figé dans le temps donc) en quête de vengeance. C’est avec ce film que Del Toro nous présente pour la première fois un monstre tout d’abord effrayant avant de s’avérer ne pas être le véritable monstre du film. Dans cette optique, Del Toro fait le choix audacieux de briser la règle cardinale du cinéma d’horreur et de révéler très tôt le monstre à l’écran, de le montrer le plus possible. Par la mise en scène avant le scénario donc, l’auteur indique au spectateur qu’il ne faut craindre la créature. A l’instar du Labyrinthe de Pan, le véritable méchant du film est incarné par un être humain à l’apparence séduisante comme peut l’être le Mal. Ces deux personnages sont condamnés à voir leur histoire se répéter inlassablement et Del Toro construit son intrigue de manière symétrique, favorisant les rimes (le début et la fin se répondent, Casares se reflète deux fois dans un miroir de façons différentes, deux personnes différentes tombent dans le bassin, etc.) et la relecture qu’opère le film sur ses propres séquences se fait à chaque fois plus poignante. L’ambre automnale du pinceau de l’auteur qui hante sa filmographie depuis ses débuts vient également recouvrir L’Echine du Diable tel ce fœtus hybride baignant dans son bocal de la même couleur, figé dans le temps.

par Robert Hospyan